MÓNICA GENER 28-09-2010 - 04-12-2010

"BUSCANDO EL EQUILIBRIO NATURAL"

MEMORIA CONCEPTUAL

¿Qué pasaría si la Naturaleza se adueñara del interior habitado?

La exposición “Buscando el equilibrio Natural” habla del intento de conjugar Arquitectura y Naturaleza, revisando el espacio físico que habitualmente tienen cada una.

Conceptualmente podría definirse como el anhelo de vaciar el espacio arquitectónico para llenarlo de Naturaleza, entendiendo ésta como el mundo animal y vegetal, fenómenos meteorológicos y otros elementos y acciones vinculados a la naturaleza.

El Hombre siempre ha colonizado el espacio natural para establecer un lugar donde asentarse. En ese espacio decide establecer el lugar donde habitar y con la intención de protegerse del exterior levanta muros y crea espacios habitables donde la Naturaleza se queda fuera.

Esta construcción, originariamente precaria, va evolucionando en una arquitectura pensada, más que para el cobijo y el desarrollo de la vida cotidiana de las personas, para el impacto, la provocación y la innovación. Es posible que si dejamos que la Naturaleza entre en esos espacios contemporáneos, podamos logar de nuevo el equilibrio y la armonía del hombre con su entorno Natural.

Esta idea de introducir elementos naturales en los espacios habitados siempre se ha utilizado para dignificar y quebrar el binomio dentro-fuera, aunque la mayoría de las veces se ha reducido a la utilización de motivos ornamentales o a esos espacios, tan de moda en la arquitectura contemporánea, donde se deja un espacio acristalado a modo de lucernario donde se dispone un pequeño jardín.

MEMORIA FORMAL

Las piezas que conforman la exposición, son en su mayoría, instalaciones compuestas por fotografías digitales montadas sobre cajas de luz extraplanas, retroiluminadas con leds.

La formalización de las instalaciones se completa con la inclusión de un mueble, elemento domestico que se convierte también en caja de luz, en el que se representan elementos naturales que, en ocasiones, escapan al espacio físico del contenedor.

La intención es crear un espacio donde la realidad y la representación, muestren una secuencia de tiempo artificial, que entre y salga del contenido de la imagen bidimensional.

RICARDO CALERO 18-12-2010 - 29-01-2011

DEL TIEMPO NECESARIO…

Luz, tiempo, silencio y naturaleza son conceptos fundamentales en la obra de Ricardo Calero. Es un autor que trabaja con una concepción abierta del arte. En función de los proyectos, interviene a través de acciones e intervenciones que fundamentalmente se desarrollan en torno a dos conceptos claves que unifican su trabajo: natural exterior y natural interior.

La realidad está constituida, a la vez, por presencias y ausencias, por elementos que se muestran y otros que se esconden, pero la realidad no es sólo lo que se ve. Invisible es todo aquello que no podemos percibir a través del sentido de la vista, pero también aquello que escapa a la acción de la mirada. Hay que aprender a mirar. Calero abre caminos para saber mirar lo que no se ve hasta convertirse en una especie de guía en el paisaje invisible de nuestra sociedad. Su exposición actual en la Galería Raquel Ponce, presenta tres series de los proyectos en los que ha estado trabajando durante los últimos años: Bautismal (Albarracín) 2008. Sueños en el mar (Cabo de Gata) 2001-2008, o Gotas de Vida 2007-2009, trabajos separados por el tiempo, pero unidos por un discurso revelador que argumentan sus acciones, unas series que resumen su práctica y su poética. En ellas el artista traza un nexo entre artificio y naturaleza, y más allá de una obra o de una serie, se trata de la destilación de un método que ilumina su proceso de creación artística.

Bautismal

Las piezas de la serie “Bautismal” se crearon en Albarracín,Teruel, con la ayuda del río Guadalaviar que desciende de los Montes Universales. Se trata de un excelente ejemplo de “natural exterior”. Calero introduce en el agua sus lienzos y deja que el río –las plantas que en él se agitan o los sedimentos que transporta– los trabaje sin prisa. El aflorar de letras y palabras, marcará el tiempo de rescatar el lienzo de las aguas. Las palabras claves en el universo de Calero son esenciales, como los primeros pasos del lenguaje –NADA, DESEOS, SIEMPRE…–, siendo necesario despertarlas para descubrir su sentido. El “Bautismo” representa un segundo nacimiento, mediación entre lo existente (oculto) y las palabras (reveladoras). Los lienzos resultantes son, a la vez, puro proceso y su representación.

Gotas de Vida

Cuando Calero maneja las imágenes de las gotas (producidas en cristal) y de las manos, alude a la historia privada de la humanidad (sudor o lágrimas), y alude a un quantum de energía significante, que permite, con su evaporación, lubricar la paradoja de la existencia. En este caso, el agua nos conduce al concepto de “natural interior”. Esta serie debe vincularse a las acciones del Cabo de Gata. Gotas de agua, gotas de vida pescadas con anzuelos…

Lagrimas perdidas en el mar…

Sueños en el Mar

Se presenta por primera vez el trabajo inédito “Sueños en el mar”. Calero muestra el resultado de acciones realizadas a lo largo de ocho años, 2001-2008, en distintos lugares entre el mar y la costa del Cabo de Gata (Almería): La acción se materializa “inundando el mar de pasaportes”, cada año 365 pasaportes fueron lanzados al mar desde una barca para hacer después un seguimiento del viaje, de su travesía a la deriva entre las aguas, para finalmente rescatar aquellos pasaportes o fragmentos que llegan milagrosamente y quedan varados ente calas o rocas, marcados por las heridas del viaje. Nuevamente lugares invisibles, imágenes que revelan paisajes emocionales generados por el extrañamiento del que no pertenece a ningún sitio, por la despersonalización en el mar, lugar de transito hacia un espacio en este caso donde todas las especies están protegidas, en el parque natural de Cabo de Gata, todas menos el ser humano que llega a ellas sin papeles.

Las tres series, Bautismal, Gotas de Vida y Sueños en el mar están estrechamente relacionadas, no sólo en su gestación, sino también en sus propios procedimientos, del mismo modo que lo están los mundos del “natural exterior” e “interior”.

Estos últimos años han sido trascendentales para el reconocimiento de la obra de Ricardo Calero, consolidando su trayectoria sobre la base de un trabajo personal, comprometido y meditado. Sus últimas exposiciones, instalaciones e intervenciones han sido realizadas en Galerías y Museos de España, Alemania, Bélgica, Italia, Portugal, República Checa, EEUU y Canadá.

BEGOÑA MOREA ROY 28-09-2010 - 04-12-2010

STEAL, CUT AND PASTE

Raquel Ponce tiene el placer de mostrar Steal, Cut and Paste, la primera exposición individual en Madrid de la artista aragonesa afincada en Londres Begoña Morea Roy, en la que se exponen una serie de collages que flirtean entre las dos y las tres dimensiones.

La exposición está montada en una estructura similar a un collage y presenta al público con piezas murales, trabajos enmarcados y con collages hechos con materiales textiles, madera, papel y elementos cotidianos en configuraciones minimalistas. Morea Roy seduce visualmente al espectador con imágenes que funcionan como mapas, de manera que requieren ser leídas íntimamente escaneando la superficie, y con objetos pictóricos que no parecen desafiar el paso del tiempo y que tienen en consideración la arquitectura del espacio.

“Mi trabajo está construido manualmente cortando, pegando y sobreponiendo capas de texturas impresas digitalmente que no se desvelan inmediatamente, sino gradualmente, tomando así importancia el acto de ver y el viaje de la mirada a través de la pieza. En mi trabajo estoy interesada en yuxtaponer campos geométricos y orgánicos, en contrastar áreas de alta y baja densidad de motivos, con bloques de color, líneas y texturas para así crear una variedad de diferentes ritmos en las piezas. En cierta manera, mi trabajo tiene ciertas similitudes en cuanto a repetición, composición y ritmo con la música. Mi preocupación artística es también cómo el trabajo toma control de los aspectos arquitectónicos del espacio y cómo sus cualidades materiales se revelan. En cuanto a materialidad, mis piezas son modestas y sin pretensiones. Mi inquietud yace en subrayar la fragilidad en la estructura del objeto, sus cualidades seductoras y también su temporalidad”.

Morea Roy combina materiales de colores artificiales brillantes relacionados con la artesanía –papel de colores, cinta de embalaje, cartulinas, papel impreso– más que con las bellas artes y juega con los límites entre el arte y diseño. Su trabajo se inspira de varias fuentes eclécticas como su experiencia personal, la historia del arte, la moda o la música pop. El título de la exposición Steal, Cut and Paste toma su nombre de la cita de Picasso “Los artistas malos copian, los buenos roban”, reconociendo también la influencia del artista en el trabajo de Morea Roy.

Begoña Morea Roy nació en Zaragoza, España. En 2003 se licenció en Bellas Artes y Teoría Crítica Contemporánea en Goldsmiths College de la Universidad de Londres. En 2009 se graduó con un Master en Bellas Artes en la prestigiosa escuela londinense de artes Central Saint Martins College of Art and Design. Morea Roy ha expuesto nacionalmente e internacionalmente en el Reino Unido, Nueva York, Bankogk o Taipei. Exposiciones individuales incluyen: It Could Be Anywhere, 2003 en la galería One Metre Square, Londres; Formal Encounter, 2010 en las sala Juana Francés, Zaragoza. Exposiciones colectivas incluyen: Arte Navas 2010, Ávila; Wanted, 2008 en la Rag Factory, Londres.

Durante su trayectoria artística Begoña Morea Roy ha recibido entre otras, becas del Ministerio de Cultura, el Instituto Nacional de la Juventud, El Gobierno de Aragón-Ibercaja o la Diputación Provincial de Zaragoza. Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas en el Reino Unido y España.

XAVI MUÑOZ 03-02-2011 - 26-03-2011

GALERIA RAQUEL PONCE SE COMPLACE EN PRESENTAR LA DOBLE EXPOSICIÓN INDIVIDUAL DE LOS ARTISTAS BARCELONESES XAVI MUÑOZ Y SITO MÚJICA, SEGUNDA MUESTRA EN LA GALERÍA PARA EL PRIMERO

Y PRIMERA EN MADRID PARA EL SEGUNDO.

Pese a sus trabajos, claramente diferenciados en técnica, referentes, soportes y preceptos, los autores comparten el tener un particular sentido de lo poético, una pasión evocadora en la que conferir carácter fetiche a sus obsesiones supone una metodología constante de experimentación y una clara línea de búsqueda icónica y plástica personal, en la que impera una sensual convicción en la sutileza como gesto grandilocuente.

In Somnis, nueva entrega intimista sobre el universal fenómeno de los sueños de Xavi Muñoz, ocupará la planta superior, el rellano de la escalera y parte de la planta inferior, en cuyo recinto habitará Copiadas, de Sito Mújica, una metareferencia del propio ejercicio de la copia como obra artística.

Paralelamente, ambos artistas participarán en el stand de la galería en ARCO Madrid.

XAVI MUÑOZ: IN SOMNIS

Con In Somnis, su segunda muestra individual en la galería, Xavi Muñoz actualiza su constante revisión de lo onírico como realidad paralela, a partir de elementos simbólicos, biográficos e iconográficos que construyen en el espacio, más que una deriva, la puesta en escena de una narrativa circulable.

Dibujos en purpurina sobre lienzo, retablo o papel, así como piezas escultóricas en mármol, cristal y aluminio, configuran un renovado diálogo del autor frente al carácter de los sueños, basado en la simplificación sígnica, cierta moderación cromática y una mayor presencia de elementos vivenciales propios, en detrimento de la referencia popular o la cita textual.

El rojo carmín que otrora predominaba ha dado paso a una mayor presencia del negro, en la que destaca la proporción de imágenes monocromas o la aparición de fondos azules. A su vez, el texto escrito como recurso de sentido ha desaparecido, dejando sólo en unas imágenes cada vez más elementales toda la carga semántica y otorgando más peso a la estricta sensorialidad. Un díptico, un políptico y varias piezas individuales vuelven a hablarnos de los sueños, ya no tanto desde el reflejo de situaciones humanas, aún presentes, sino apoyándose además en la reja como objeto alegórico, en elementos de la naturaleza (ramas secas, amapolas o sus recurrentes mariposas, marca de la casa) y en una nueva serie retratos de personas con los ojos cerrados, que aluden claramente a la vivencia ¿tal vez videncia? interior.

De igual manera, artefactos culturales como la almohada, la llave o el atrapasueños, así como una rama, cobran ese protagonismo material que junto con el trabajo sobre el plano hace de las muestras de Xavi Muñoz experiencias integrales de sentido, en relación a la imagen como habitante que eleva el espacio a la categoría de atmósfera, dotándolo de significado.

Ilustrando más que los contenidos de posibles sueños, antes expresos en escenas donde la dosis de fantasía se hacía evidente, Muñoz se ocupa ahora de su vivencia desde el exterior, manifiesta en el gesto de los retratados inmersos dentro de sí y en la presencia de elementos que simbolizan, precisamente, el paso del estado de vigilia a la ensoñación.

Conservando la expresividad del diálogo entre imagen y materiales que ha vertebrado su producción y la innegable capacidad evocadora que parte de lo propio para enlazar con lo colectivo, el artista propone un ejercicio de aparente recogimiento. En esta visión, más acotada y esencialista que sus predecesoras, donde lo celebrativo ha dado paso a una serenidad que no por serlo resulte menos vitalista, Muñoz denota, claramente, una maduración expresiva que se dirige contundente, en su búsqueda, hacia la intensidad.

SITO MÚJICA: COPIADAS

Homónima del sistema personal que infunde su trabajo en proceso, Copiadas de Sito Mújica es la primera muestra individual del autor en Madrid. Abarcando una sinopsis de su producción de los últimos tres años, supone no sólo un sampleo de su bitácora, sino una puntuación que subraya estadios, subproyectos, fuentes y productos expandidos.

Una breve pero representativa selección de dibujos en grafito y acuarelas da fe de la evolución técnica y gestual del artista, que comenzara con la extremada sencillez de figura sin fondo de las primerísimas piezas, a las que seguirían los primeros fondos, regularmente césped o textiles. Comprometidas con la austeridad del grafito sobre papel y minuciosamente trabajadas en el detalle, tales imágenes surgen del la tensión propia del empeño por lograr la máxima fidelidad sobre su original: retratos fotográficos de popes de la imagen como Hedi Slimane, Paul Sepuya, Ryan Pfluger, David Youngs, Ryan Mcginley o Brandon Herman. A su vez y cual contrapunto circular o desdoblamiento, retratos fotográficos de los autores mismos, solicitados expresamente por Mújica, componen un gabinete que funciona como antesala a las Copiadas, como documento y como homenaje.

Al interior de la sala un vídeo de Ramón Guimamares que rescata su proceso, haciendo seguimiento desde el origen -la toma de una fotografía por sus admirados fotógrafos barceloneses Paco y Manolo- hasta la ejecución final de su copiada, supone el epicentro que focaliza la intención de la muestra.

Precediéndole, registro gráfico y texto en torno a su serie Phylomithés/Mitomani, en la que aparcara por un momento la devoción icónica de las primeras Copiadas para trasladarse a la iconoclastia de las fotos principales de perfiles Myspace, ahondando en su personal exploración del contexto fugaz y evanescente de la imagen contemporánea, siempre desde el detenimiento contemplativo y el clásico rigor académico y rutinario de su técnica.

Finalmente, retratos en acuarela que van del negro monocromo a la reciente incorporación del color, dejan entrever su actual buceo entre la fotografía standard de moda de firma, incorporando nuevas fórmulas de estructura compositiva o altos contrastes que acentúan la potencia icónica de la imagen.

Como las constantes mismas de su obra, precisión gestual, purismo técnico y solvencia semiótica configuran este pequeño escaparate de su preciosista imaginería, a la vez que el material adyacente evidencia sus métodos. Así, abarcando de la honestidad al simulacro, la distorsión o la ficción, Copiadas erige un decálogo abreviado de los paradigmas de Mújica, poniendo en evidencia su primigenia fijación: el potencial de la copia como un arte en sí mismo.